2017-4-10

“艾玛与爱德华——孤独时候的爱情”
蒙克美术馆（奥斯陆）
策展人 Mieke Bal

这是一个蒙克绘画与当代电影人Mieke Bal与Michelle Williams Gamaker独立电影《B夫人》对话的展览。电影《B夫人》是对法国作家福楼拜小说《包法利夫人》（1856）的现代演绎，讲述艾玛嫁给一个善良的医生，却很快厌倦平淡的婚姻生活，频繁更换情人最终走向自杀的故事。在卷入各种关系时，艾玛还十分热衷于奢侈品消费，后来毁掉了自己和家庭，最终绝望服砒霜自杀。

策展人认为在过度浪漫幻想和消费主义盛行带来的迷茫中，这个故事在今天仍然在我们身边持续发生。这个展览通过营造蒙克——“爱德华”先生与福楼拜的“艾玛”女士的邂逅，邀请观众观照和反思我们的社会本性，以及因为我们的“斜视”所带来的后果。让我们明白，不是我们与他人或世界拥有亲密关系，我们就能摆脱深层次孤独的纠缠。福楼拜想象了这个故事，蒙克描绘了这个故事，那我们在其中扮演怎样的角色？策展人问到。

展览把电影片段以各种录像装置和放映厅的形式与蒙克绘画完美地并置在一起，人们穿梭在影片与绘画交错之间，也穿梭在故事人物关系之间。蒙克的绘画也都被悬挂到齐膝盖的高度，以便观众可以坐下来慢慢观看每幅画，进入画中或影片中的人物处境，也进入自身的处境。策展人邀请人们坐下来看和听。

展览的空间布局呈现出不断升级的孤独感：展厅一的主题“电影效果与孤独”，展示电影中大场景大关系和蒙克早期风景写生。展厅二是“窥视”，展厅三是“白日梦”，展厅四是“厌倦”，展厅五是“令人绝望的消遣”，展厅六是“幻灭”，展厅七是“死亡”。

整个展览十分细腻、沉重，发人深思，甚至看到最后会产生深陷泥潭的无力感。展览最后是直面影片中艾娃痛苦死去，身边朋友慌乱无助的情景，以及蒙克描绘死亡的画面。展览出口处，观众会在一面镜框中看见自己（镜框与蒙克画作的框完全一样）。

在一处贴有蒙克绘画卡片的墙面上，你可以把一些对话内容组合在那些人物关系中，如“我感到被幽暗所渐渐吞没”、“当我和别人相处时我总是带着嘲讽的面具”、“当你需要我的时候随时可以联系我”、“我受够了”等等，你可以宣泄或无视，也可以安慰或倾听。显然这也是一个引导人们关注抑郁症的展览，它让人们看到人的深刻孤独和我们对待身边人所需要的某种敏感。

以《呐喊》闻名世界的蒙克，在一百多年前超前地描绘了人们那时也是今日的精神肖像。

蒙克的主要代表作其实几乎都在挪威国家美术馆，蒙克美术馆时常把大量的蒙克画作与今天或历史中的某些方面联系来对照展示，也显示出他们在策展方面的意图。上次见他们是把北欧人类史与蒙克的风景画结合在一起，因此这次展览几乎不见风景画。这种策展方式也正是传统意义上策展人的职能，守护文化机构的藏品，根据主题或类型或社会需求进行分类来向公众开放。这样不断地展示藏品却又不断地挖掘藏品所蕴含的丰富性。

2017-4-9

基弗《天梯》（1990-1991）
Astrup Fearnley Museum of Modern Art in Oslo

雅各梦见一个梯子立在地上，梯子的头顶着天，有神的使者在梯子上，上去下来。

基弗说，那个“书架”装置《女祭司/两河流域》一定要放在那幅《荒芜风景》的旁边，因为那个“书架”承载着那幅画中被毁灭的城市的照片。

2017-4-8

路过街边一处公共雕塑《草根广场》(Grass Roots Square)，韩国艺术家Do Ho Suh(b. 1962)作品。挪威人骨子里实实在在的社会主义。

2017-4-8

挪威艺术家瓦尔闻Kjell Varvin(b.1939)在Kunstnernes Hus当代美术馆的个展“自由几何学/易动的变量”(Free Geometry/Unstable Variables)。

美术馆就是他的工作室，他每天在观众进去之前组装又拆卸，他改变作品形态，拍照并发布在社交网络。观众每天进去看到的面貌都不一样。他甚至邀请观众参与组装，邀请其他艺术家带自己的作品进入展场。

瓦尔闻的艺术可以被看做是打破空间与表面的三维绘画，空间、周边氛围和观众自己的视角都成为完整作品的组成部分。

瓦尔闻的艺术承接着结构主义、包豪斯和类贫穷艺术的传统。

瓦尔闻强调作品的探测与过程，每件作品都可以移动、重组，既可以独立呈现也可以是庞大复杂结构装置的一部分。他的作品持续保持着建构与瓦解、秩序与混乱、分析与直觉之间的平衡。他的作品常被比作自由爵士。他在作品中反复调试着不稳定性(instability)和未完成感(imperfection)。他在展览中持续保持着作品在几何学风格中的动态演变，而非艺术家自身的规划，使展览处于实验和永久性的自然演变中。

展览期间观众可以随时带着票，回到展厅去看这一切的变化。

2017-4-6

好的画会让人有一种久违的感受，一种视野被豁然打开的体验，会让人对绘画抱有巨大的信心。

每一个细节和整体都被反复推敲，从1993年画到1994年，2010年翻出来改一下，2015年2016年再改一下。从未见过如此纠结的画家。展厅里每幅画都经历至少三个绘制阶段，跨越二三十年。

我在一幅画面前看得比一部电视剧还久。每幅画的框的制作都不一样，任何一个最细微的局部都是一幅独立的画面。无数的画中画，组成一幅幅恢宏巨制。既有绘画的超凡素养，又有开阔格局的画家，今世罕见！

莱奥纳多·理查德Leonhard Rickhard (b. 1945)是挪威当代艺术界最具代表性的艺术家之一，他有自己独特的视野和技术，他重新激活了绘画作为艺术表达的意义。他的绘画高度结合了观念策略与形式探索，这是理查德的绘画最具标志性的成就。

过去四十年，理查德不断向挑战绘画的可能，发展出一种独特的多图叙事。

展览在理查德的家乡阿伦达尔(Arendal)的市立美术馆举办，一座只有四万人的海港小城。

在挪威最具代表性艺术家理查德展览的楼下，是四位北欧更年轻一代艺术家的画展(分别来自挪威丹麦瑞典)，可见策展人的心意：绘画活着，还活得挺好。

在一位年轻艺术家的画作前，画领带的那位画家写到，对于一些患轻度抑郁的人来说，打漂亮领带比吃药更管用。