The Fantastic World of the Kaleidoscope

During his time at Yunnan Academy of Art (2001-2006), Guo Peng worked hard but ignored his proper duties at school, just like me. He majored in sculpture, but engaged in contemporary art with a group of feverish young experimental artists without looking back. From live art to installation art to performance art, Guo Peng explored different art forms, and gradually found his own way of creating photography-based work. He independently accumulated a lot of experience making art when he was still in school, a rare thing among those Yunnan art students.

His first foray into photography involved a kind of performance – recording couples’ happy moments with one-inch photos, developing those photos in his humble darkroom which was once his kitchen, coloring them with tea, trimming fancy borders, then drying them. When the photos were done, he sent them back to those couples. It was warm and sincere. Maybe in the process of coloring photos with tea, he recalled a childhood memory: our parent’s generation used to color their black and white photos, the impressive scarlet lips and expressed the romantic family sensibility of the 1960’s and 1970s, yearning for a colorful world in times of scantiness. After the popularization of the color photo, hand coloration was of course abandoned. And now people modify their digital images with Photoshop. Hand-colored photography is vanishing, but is re-used by Guo Peng, a post 80’s artist.

From 2003 to 2005, Guo Peng used this out of date method to work on different contemporary subject matters. He re-took pictures of cover girls, garden landscapes, city squares, ruins, puppets, Pecking Opera on the TV screen, and other images he happened upon, hand-coloring them, creating a nostalgic and wistful feeling. These pocket-size photos were kept in an old photo album, becoming the memory of the family. Such work seemed the result of indulging oneself in private images. Since 2005,in order to get rid of this nostalgic style, he started developing A4 size silver salt black and white photos, the biggest size one could develop at home. Here he focused on water, reflected images, lotuses, rockeries and trees, totally fascinated with certain delicate qualities of light. He gradually formed his own method and style evoking the literati’s ideal landscape through hand-colored black and white photos.

The diffuse and mottled colors in the dreamlike scenes of this series of works attract and confuse us at the same time: we can hardly tell it is true or fake. Guo Peng explored different possibilities within a limited space. For example, he borrowed the idea of coloring old pictures to awaken and decorate the black and white world; coloring a photo according to its original lines to create the feeling of modern design; or dividing the picture into wave-like color domains. These photographs give a sensation of a dizzying dreamland, just like the fantastic world of the kaleidoscope, like a huge projector casting gorgeous colors from the overarching sky.

Guo Peng is a quiet and thoughtful person. He enjoys his domestic life, has very healthy habits, and spends a lot of time meditating, reading and writing. He’s not slaving for anyone – I really envy such life condition. Recently, he’s been thinking about why Chinese literati sapped their spirit by playing crickets.

Suddenly I realized there are quite a few young Kunming artists who are living independent lives. They haven’t given up their dreams, they haven’t gotten caught up in the market, and they just cultivate their art with plain living and a peaceful mood. Guo Peng is a special one among them.

Written by Luo Fei
2008.4.10
Translator :Zhou qiao

作品版本:1∕1

按:说实话,由于最近几个月来一直忙于照顾孩子,一直无暇专注于写作,上篇”万花筒里的奇异世界” 郭鹏的文章明显带有博客写作的特征:随意(一边照顾孩子一边写作)、及时(访问完郭鹏回家就写了)、不冗长(不像艺术批评那样)、缺乏深入研究(后来也实在没能如郭鹏所请愿的要我再“深入一点”),而莫妮卡的这篇文章却让我喜出望外,我完全同意她对作品的感觉,甚至在万花筒、教堂天窗等比喻上惊人近似,从整体立场和作品批评上讲,我完全同意莫妮卡的见解。我也很喜欢这篇批评文章,条理清晰、富有感情、不失深度、也不失风度:)

《作品版本:1∕1》
——谈郭鹏的作品

郭鹏是我评论过的最年轻的艺术家,比我整整小了20岁。但是,在我碰巧在昆明和他以及他的朋友相处了一段时间之后,我发现我们之间没有任何的文化差异。我们有许多相同的想法,我也十分欣赏他对于生活和艺术的态度,以及他对于艺术全身心的、真诚的、热情的投入。

乌托邦vs现实主义

在某些方面,我的思想是极为传统的。我认为一个人的“品质”比其它的东西都重要。和古代的文人一样,我坚信,只有一个人的品质达到了一定的高度,他/她才能通过创作(艺术、文学…)表达自我,才有可能达到杰出的水平(当然,这还需要意志、专心和能力)。

我觉得当今社会却要求年轻人专注于“品质”以外的东西:这包括无需太多努力就能获得的成功、金钱和表面的成就。这个问题比过去的任何时候都要严重。 一个年轻人很难在忙于这些世俗的追求时保持清晰的思路,走出自己的道路。现在的社会看起来好像很开放,但实际上仅仅关注一种发展方向:物质主义。其它所有 的选择都会被看成是乌托邦式的妄想,不会有任何结果。它们会被冠以“不现实”的评价,注定会失败。我自认为是一个理想主义者,所以我很高兴能够发现一些同 道中人。

有些年轻人极端怀旧,就好像生活在另一个维度。你会觉得他们“生错了时代”,他们很意外的生在了“当下”。他们要是早生了几个世纪,可能会遇到更合 适他们的环境。但郭鹏不是这样的年轻人。他喜欢手工艺和回忆,他尊重并希望振兴过去的感情和技艺。与此同时,他也很熟悉当代青年人擅长的一些东西,比如电 脑和数字技术等等。

他不是那种怀旧的、与当今社会格格不入的人,不会抗拒现实,只生活在梦中。相反,他对于当代生活的诸多方面有着正面评价,虽然这种生活中许多的乐 趣、智慧和细节正在逐渐消失。几天前,他给我发来了几句话,用来描述他的思维方式。我选取了以下这句话,它明确而全面的表达了他的想法:“我们已经改变了 这个星球的性质,改变了水、空气和土壤…”

与自然保持敬畏的关系和与人性保持良好关系一样,都非常复杂。人们的活动和需求变得方向单一,日益简化,只需要通过金钱和生产/消费主义的态度就可 以满足。这让我们几乎不会去全心投入任何东西。一方面,手工艺已经被人遗忘,失去了其重要性和吸引力;另一方面,人际关系变得日益肤浅。用“漫无目的”、 “自由自在”的活动表达内心创作需要的情况越来越少见。这些活动渐渐的离我们远去,而许多人甚至还没有意识到这一点。

我希望上面的文字不会被读者看成是无聊的说教。郭鹏拥有一种独特的感性,这种感性绝对是“反主流”的,却增强了那些他认为对于自己的生活方式十分重要的旧时的“品质”。

自找批评

前段时间,郭鹏给我打了个电话,说他将在“全摄影”画廊举办展览,问我能不能帮他写点东西。“我真心希望能得到你的批评,我想了解我的作品的缺陷。 只有这样我才能进步。”虽然他的这种态度我并不陌生,(在昆明的时候,他就经常“逼”我尽可能严厉的“批评”他的作品。)但是我还是对他的要求很吃惊。谁 会想在自己的展览画册上印上批评的文字?谁会主动提出这样的要求?他的要求让我决定改变行文的形式。我准备不像过去那样,写成散文的形式,而是各用几句话 来描述他的摄影作品系列的特点和问题。这对我来说是一种试验,也是一个挑战。我准备深入挖掘我的情感,然后尽可能清晰完整的用文字表达出来。我希望这个能 对我年轻的朋友有所帮助。

不过我想先谈一谈郭鹏摄影作品中体现出的独特品质。

他创作的每张照片都是独一无二的,这一点让人吃惊。艺术家手工给银盐黑白胶卷上色,在白色边界上切割出装饰性轮 廓,这种做法在过去的摄影店中很流行。我家里还有不少这样完成的照片,大都是我父母年轻时候照的。我记得第一次看到他的小尺寸照片时,我感到了一种强烈的 熟悉感,我还以为这些照片是他从什么地方直接拿过来的。但是他的工具是别人不用后给他的,用这样的旧工具进行创作,虽然有时候还需要修修补补。

他的作品的另一个让人吃惊的特点是照片的尺寸。我看到的最大的照片也只有30x45cm,而最小的仅有2x5cm。中国大部分的当代艺术家喜欢大尺寸——大尺寸的作品和大尺寸的工作室,但是郭鹏选择专注于微小的作品。他的每张照片都使用数种透明的颜色,让观者为这些细小、精致的旧式照片感到迷惑。

郭鹏的创作大都是摄影。他会充分利用周围的环境,他拍的可能是让昆明别有风味的翠湖,也可能是人行道上我们很容易忽视的细节;他甚至会用自己小时候 的照片、电视节目的截图和时尚杂志的插图等等。在“再创作”过程中,这些照片都变了样。作品的时间背景变得不确定。这些照片是数年前拍的,还是仅仅看起来 比较旧?这些照片是现实中拍的,还是从什么地方拿过来的?黑白照片变得色彩缤纷,但是这些色彩和自然的色彩不同——郭鹏不想采用“现实主义”风格,他希望 这些照片发人深思、充满诗意和梦幻。照片的尺寸也改变了一切:微小的事物,如扔在地上的香烟和地板本身,就是照片的主体;放大了脸的玩具娃娃变成了明星; 国际杂志的封面女郎的照片看起来暧昧不清,甚至有些邪恶…在另一个系列中,6x4cm的照片中定格了雪景。艺术家让照片没有聚焦,以此模糊下雪时的视觉效 果。看着这些小尺寸的作品,我们可能会变得心烦意乱。我们想要更仔细的看这些照片,但是照片尺寸太小,我们无法把所有细节看清楚…我们这时应该做的是,放 弃我们“科学的”、“技术的”态度,不再去分析或分割这个世界,而是改变我们的方式。我们应该把这些微小的世界看成是诗的片断,当作有着独特幻想氛围的微观世界。我 想到了孩童的一个游戏:万花筒。万花筒里有许多彩色玻璃碎片,每摇晃一次,便会呈现出不同的景象。从万花筒的一头看进去,你能看到各种奇异的图像。我也想 到了老教堂里的彩色玻璃窗,通常都精美而又珍贵,为教堂的地板、事物和人群身上披上一层美丽的、色彩斑斓的光,在这些老式建筑里营造出非常特别的氛围。我 不知道郭鹏有没有亲眼见过这些窗户,但我知道他很喜欢它们,因为我注意到他在个人博客里上传了几张这种窗户的照片。

谈我对几个系列作品的看法

我想给他主要的摄影系列各写上几句话。这些文字仅代表我个人的感觉,决然不能被看作是评判他作品的“标准”方式或唯一方向,因为我认为每个艺术家都应该将自己的感觉放在首位。

1)“垂直记忆”,2003年,8 x 12 cm:将自己小时候的标准照扫描进电脑,用电脑处理后打印成胶片,用胶片在暗房手工放大制作,最后手工着色。

我发现这个系列的作品有几个不同的版本。我手里的这个版本和他网站上的不同。郭鹏小时候的脸庞经过了电脑处理,看起来好像他脸上有一层透明的表面, 而有人又泼了一桶水上去,破坏了他的面像。我不知道这是不是出于艺术家的心理需要,要和自己的童年和/或过去人们对他的看法保持距离…

2) Top One,2003年,2 x 5 cm:翻拍时尚图片,手工暗房做成1寸大小发黄老照片样式,手工着色。

我个人对这个系列不是很感兴趣。可能是因为我对于时尚杂志深感厌恶,或者是因为我觉得他做的这个尝试,即把当代的“酷”面孔做旧,与他的诗意的风格不太相符。

3)“风景线”:2003年,8x5cm, 用黑白胶卷拍摄城市广场和园林风景,手工暗房做成模糊影像,然后手工着色。

这个系列的作品中他首次采用这种创造手法。艺术家刻意改变他周围的风景,让这些风景看起来难以辨认。他重新创造出另外一个世界,他更喜欢这个悬浮的、安静的、发人深省的世界。这是一个很好的想法,但是有些照片的颜色可以更加用心的去选择。

4)“玩偶”,2004年,6 x 4 cm:用黑白胶卷拍摄时尚杂志上的玩偶,手工暗房制作后手工着色。

这些照片给人一种奇怪的疏远感,让我们迷失了“现实”和“幻想”的边界,“生物”和“事物”的界限。它们十分美丽,却让我们感到冷淡和造作。我认为这个系列的作品实现的很成功,从审美上引人入胜,却又令人不安。

5)“消逝的风景”,2004年, 6 x 4 cm:用黑白胶卷拍摄日常地面的一些垃圾、污秽等,手工暗房制作后手工着色。

艺术家在这个系列作品中展现出对于现实细节的真切关注,他拍摄了许多地上的小东西(垃圾)的照片,通过在细微之处加上彩色,让它们变成“风景”。我想,作品的尺寸要是大一些效果是否会更好?他的想法很好,但可能在实现方面可以有所改进。

6)“残雪”, 2004年, 6 x 4 cm:用黑白胶卷拍摄昆明一拆房建筑工地雪景,手工暗房制作后手工着色。

郭鹏在昆明的雪后拍摄了几幢老建筑的照片。我觉得这些尺寸不大的照片非常富有诗意,引人深思。它们表现的一个个小世界让我浮想联翩。

7)“惊梦”,2005年, 6 x 4 cm:银盐黑白照片手工着色。

这些照片的主题包括京剧演员、(还可能是电视上的)其他演员和一家飞机。这些人的表情冷漠,甚至邪恶,说明梦可能是“噩梦”,而许多噩梦正是来源于人们的精神,正如戈雅(Goya)的名句所说:“理智的沉睡带来怪物”。

8)“地震”, 2005年,6 x 9 cm, 银盐黑白照片手工着色。

艺术家拍摄了老式传统风格建筑的大门,让人感觉这些门在不断颤抖。我想他是希望强调大部分这样的建筑都不存在了,已经被推土机(而不是真正的地震)摧毁。
这是一个很好的想法,但是从审美的角度,我更喜欢其它作品。

9)“失乐园”,2005年, 6 x 5 cm:银盐黑白照片手工着色。

这个系列的照片表现了中国城市的风貌,照片的颜色都是粉色或紫色。这个系列的标题说明了艺术家的意图:他觉得在这样的环境中生活并不幸福。这里到处都是摩天大楼和“重要”的建筑,看起来很不适合居住,也不够友好。我认为这个系列作品相当成功——郭鹏成功的向观众表达了一种不安的情感

10)“翠湖”, 2006年, 30 x 45cm:银盐黑白照片手工着色。

我还记得艺术家在2007年1月时初次拿这些作品给我看。照片的上色采用了和以往的作品不同的方式:他没有为不同的主题配各种颜色,而是采用了一种 几何的、图示性的抽象装饰风格。我看到这些照片的时候觉得它们相当“不和谐”。我想艺术家是想要强调看待事物有多种不同的方式。我完全同意这个想法,但我 觉得作品看起来却有些笨拙。

11)“京梦”, 2006年, 6 x 9 cm:银盐黑白照片手工着色。

这个系列表现了京剧演员的近照,我认为这些照片是从电视上拍下来的,然后在一些固定的区域上色(手法和“翠湖”一样)。它们看起来像是在向“惊梦”系列致敬。我认为这些照片近乎抽象而超然的效果十分有趣。

12)“在天空之外”,2006年,30 x 45 cm:银盐黑白照片手工着色。

这个系列照片表现了树顶上的天空。艺术家用几何学的模式或更加随意的方式上色。我个人更喜欢第二种方式。我认为这些照片表明他希望实现更高的理想,抛弃世俗的担忧,实现更高尚的灵感。出于这个原因,同时也出于这些作品的美学成就,我很喜欢这个系列。

13)“翠湖 2007”, 19 x 25 cm:银盐黑白照片手工着色。

翠湖是昆明的心脏。这个湖泊好像完全没有受到时间流逝的影响,保持了一贯的美丽。郭鹏在公园和湖旁拍摄了数张十分出色的照片,然后以一种怀旧的方式上色。我认为这是他最成功的一个系列,因为它没有打算在作品中承载太多的内容,取得了观念和形式的平衡。

14)“水沫”, 2007年, 19 x 25 cm, 银盐黑白照片手工着色。

在这个系列中,郭鹏专注于翠湖的水和一些园林的元素,比如在中国传统园林中十分重要的假山石。我十分钟爱这个系列,原因和我喜爱“翠湖2007”一样。实际上,我觉得这个系列的作品更胜一筹,因为它们的视点没有那么“正面”和标准化,上色也十分漂亮。

我知道郭鹏也用绘画、装置、影像和行为等其它媒介表达自我,但我在本文中不再赘述。

最后,我希望艺术家能够继续向我们展示他对于世界的独特解读,让我们漂浮在诗意、怀旧、充满色彩和梦幻的作品之中,不受时间和空间的限制。

莫妮卡·德玛黛(Monica Dematté)
Vigolo Vattaro
2008年4月26日
翻译:黄一

万花筒里的奇异世界

郭鹏云艺就读期间(2001-2005)属于和我一样不务正业但又勤奋读书的一类,他的本分是学雕塑,但却伙着一帮实验艺术狂热青年上了当代艺术的贼船,蜻蜓点水地经历了从现场艺术到装置艺术到行为艺术逐渐到以摄影为主要创作方式的过程,在校期间积累了不少参与当代艺术实践的经验,这在当年的云南艺术院校的学生里十分鲜见。

他最早涉足摄影其实主要是他行为方案的一部分,以一寸老照片的样式记录街头情侣的幸福瞬间,然后回到家里在简陋的厨房改造成的暗房里洗出来,用隔夜茶染色、剪裁花边,摊在沙发上,完了就一张一张寄给当事人——很温情也很朴实。或许是在使用茶叶水染色的过程中回忆起一些儿时的素材吧——就是我们父辈年轻时曾经给自己的黑白照片染上各种花里胡哨的颜色,红得吐血的嘴唇和桃子一样的腮红至今给我留下很深的印象,那是中国上个世纪六七十年代的浪漫主义情怀在每个家庭里的样本,这样的方法也是在物质贫乏时代对色彩斑斓世界的刻意模仿与加工。彩色照片普及后人们便不再使用这种画蛇添足的方法了,数码摄影普及后人们完全可以在photoshop里对色彩和图像进行任意想像和撰改。手工染色的照片制作从此绝迹,却落在了80版艺术家郭鹏的怀里。

在2003年到2005年期间他用这种老掉牙的方法尝试过好些不同的当代题材,翻拍杂志封面美女、园林景观、城市广场、废墟、玩偶、电视屏幕里的京剧等等各式各样的信手拈来的图像,并给它们染上花里胡哨的怀旧与臆想交融的情调,这些巴掌小的袖珍照片被镶嵌在一本本老相册里,俨如家族的回忆,这类作品也被人们理解为艺术家沉溺于某种私密图象的快感之中。为了脱离这种越来越内向越来越小气的袖珍怀旧风格,2005年之后郭鹏开始尝试冲洗稍大的接近A4尺寸的银盐黑白照,这也是黑白照片在家庭环境里能冲洗的最大尺寸。并且在主题上也越来越多地关注中国园林景观中的水、倒影、莲、荷叶、假山石、树木,以及近
期对光影的着迷,这样他也才渐渐明确了一种以手工染色黑白照片的工作方式来关注文人理想中的自然景观的个人方法与风格。

2005年至今的这些作品整体色彩风格和感觉都呈现出一种略带霉味的、绚丽斑驳的、亦真亦假的梦幻场景。在这个过程中郭鹏也在有限的画幅中尝试不同的形式探索,比如直接挪用老照片染色的初始理念,给黑白世界赋予相应的色彩。或者根据照片中的线与面分割出的区域填色,获得一种现代图案的意味。另一种是给整个照片划分出诗意般的波浪型色域。由于照片对多种纯色的依赖以及光影的效果,使得很多照片带有强烈的梦境般的眩晕感,如同万花筒里的奇异世界,如同一台巨大的投影仪从苍穹投射下绚丽的色彩。

从气质上说郭鹏是个安静善思考的人,他安静地满足于自己的居家生活,注重独处,有很好的生活习惯,近年写作与读书的兴致很浓,读书不是为人忙,如此佳境令我等忙碌之人羡煞不已。经管如此,他却在思考为何中国文人可以堕落到玩弄蛐蛐那样的玩物丧志的境况当中。

我突然意识到昆明有好几个年轻艺术家都过着自给自足的文人生活,以极其俭朴的物质生活和平静的心境养着他们手里的艺术。他们没有放弃理想,也没有被市场的狂热所卷入,他们一点一滴地耕耘着自己的那点自留地。郭鹏也算其中一份子。

托起人民或者拖垮艺术家

时间:2006年4月8日晚8点
地点:昆明ALAB实域艺术空间
会议召集:罗菲
主持:林善文

出席:
林善文(艺术家,策划过”江湖第十一回:展连展”和”江湖2006:格斗橙”)
和丽斌(艺术家,策划过”江湖第六回:摩登传媒”和”江湖第九回:后浪推前浪”)
郭鹏(艺术家,策划过”江湖第二回:个体灾难与非艺术不合作”和”江湖2006:格斗橙”)
向卫星(艺术家,”江湖”发起人,策划过”江湖第一回”和”江湖第九回:后浪推前浪”)
张华(艺术家)
罗菲(艺术家,”江湖”艺术总监,策划过”江湖第四回:超级倒叙”和”江湖第九回:后浪推前浪”)
严凌霄(艺术家,多次参加”江湖”)
熊玮(云南大学美术学专业)
张元(云南大学美术学专业)等共13人。

林善文(以下简称林):从去年到今天我们一共做了13回24个展览,坚持到今天的除了阿木(木玉明)、正杰(Jay Brown)没到之外,可能就剩下在座这几个,可以说大家每个人的角色都在变化–艺术家、策展人、主持等等,角色不停的在变化,今天大家可以各自梳理一下各自的看法,每个人都谈谈。
那我先说,我在这次展览(江湖2006:格斗橙)之后写了一个后记,在”江湖”发展以来,每个人可能都感觉到乱,除了去年第十一回,有一些静态的东西,是一种传统意义上的展览之外。整体来讲,事实上每一回展览上都有很互动的作品,也有很安静的作品,从参加的人来说,有学生,艺术家,江湖艺人,这样的一个大的范畴。最后我归纳的东西是,我觉得”江湖”更贴近一种草根文化,一个很包容,比较多样性的一个展览。那么回到今天,大家有这样一个声音就是:又回到了去年第一回的样式上,但是我觉得”江湖”不应该打散来看,应该总体上放在一起来看,来看参加过”江湖”的艺术家的东西,来看所有的作品,来评判来把握它,可能更全面和到位一些,我先说这些。

郭鹏(以下简称郭):关于”格斗橙”来说,简单来说也就是一个采访引发的展览,基于这样一个前提我觉得也没有什么好说的。那么我个人这段时间以来在思考一个问题,”江湖”做到今天,什么是真正的”江湖”精神,怎样去延续怎样把它做强大,我的理解是什么呢,我个人的粗略印象它就像超级女声那么一种感觉,如果说超女是国内最民主的选举的话,”江湖”这样一个平台这样一种游戏规则,它就是一个异于当代艺术体制的那么一个场景,如果是这样的话,我觉得,要把这个精神走下去,可能更应该像超女一样的进行一种”海选”,大浪淘沙,留下来的是金子,比如说选择,你可以通过网上征集作品,很民主的方式,这样”江湖”的精神是民主的平等的,第二,有了这种淘沙之后,它的质量也上去了,这两者因素具备之后。我个人理解才是”江湖”生命力所在,也才是我们接下来工作的重心,而不是每次都是业余的、专业的混在一起来玩party,我觉得”江湖”要成为一个站得住脚的东西,要在整个当代艺术生态中提出自己的立场,那么在现在的环境中,怎样来发挥好自己在这个当中的姿势,以上两点是我的看法。

和丽斌(以下简称和):”江湖”做了一年多,13次了,现在回顾下来看,如果取一些角度来比较、评价,还是有一些”江湖”本身的特点,和其他展览不同,它的游戏精神和它的民主性,应该是”江湖”从开始到现在一直具备的一个东西,而且这种东西,我觉得也没错。前几天大家在谈到这个问题,说像这样做下去会出问题–肯定这种做会有问题,但是这种问题我想不是”江湖”民不民主,或者什么人都可以参加,主要不是这个问题,人多也不是问题。本身一开始大家很想做”江湖”抱着的目的就是很想实验,很想放开做一些东西,这种东西应该是很重要的,”江湖”第一回在这几方面都具备的,有包容性,开放,打破了行业的边界,而且私下跟一些朋友谈到这个问题,都普遍是第一回的印象深刻,我觉得后面做了那么多展览,有几个主要的方面都没超过第一回,”江湖”要有活力我觉得就应该超越第一回的展览,它才真正有生命,不然就变成一种形式,它就太日常了,”江湖”它本来是异常的,打破学科边界完全开放,这种契机本来应该带来一种鲜活的东西,带来一种异常经验,但是做了十多回,都没有突破,我觉得就成了日常经验,就成了喝喝酒,耍一下就完了,这肯定是有问题。我自己认为实验性是非常重要的,初衷大家都是这样想的,但为什么在过程中有一些展览,特别是有一些展览完全成了一种戏耍,也不是所有的作品都是这种,但是实验精神被遮蔽了,被表面的热闹遮蔽了。

我还是主张”江湖”的实验精神。它跟我们以往谈的实验还不一样,它是把参展的抛到一个完全没有边界的空间里,那么这种挑战这种实验性有种上下文,一个参展作品是否有力量它是跟整个”江湖”所形成的场:参展的场地,参展的人,各种综合因素,有一种对话关系,上下文关系,互相建立它才产生力量,如果只是语言上精致,它可能也不会生效,这个也是”江湖”形式非常有意义的。我想也许是去年太频繁的缘故,高频率的展览对艺术家的挑战是很大的,策展人应该有的作用没完全凸现出来,我自己倒是期待后面的活动,应该要超越去年第一回的,这样”江湖”才有意义走下去。

向卫星(以下简称向):有太多的头绪了,我还是先说一点吧。我觉得整个”江湖”跟云南的当代艺术氛围有点像,云南的当代艺术起点低,没有一个以理论为依据为准则的态度,我觉得跟这个大的氛围差不多。这个可能也是云南老是可以出一些优秀的艺术家,但是始终缺少整体氛围很强的一个生态。

“江湖”当初我也是在很无意识的情况下跟老木形成的一个策划,说实话,这一年多到后半期的时候我都已经没有感觉了,曾经都差点不想做了,但是中方这边的艺术家绝大部分都是我拖下水的,本着一个一个负责任的态度,还是跟这些兄弟伙一起,淹死的话也大家一起淹死。但是说实话,去年整个一年的活动真正给我留下印象的,一个就是第一回,还有就是罗菲那个,还有就是丽斌那个。第一回带有一种原始生态的效果,并且达到了雅俗共赏,大家感觉像一个庙会,真正达到了这个效果,罗菲那个还是可以,但是还是由于控制的原因,最后没有完全达到他想要的理论的那种效果,丽斌的那个东西刚好是他这几年一直在思考在想的东西,并且也是一直想做的。像郭鹏和师俊那个就不说了,一个杂乱的展览,小林那个是为展览而展览,完全劳神劳力的,我就针对这些东西有什么说什么,大家都提一下。

但是做到下半年的时候,对于我来说”江湖”就已经失去了最初的意义和感觉了,就像刚才丽斌说的一样,一些真正纯粹的东西已经没有了。但是我们今天来开会,并不是要讨论我们今后怎样做”江湖”,怎样延续,我是想今后我们如何良性的再去进行,今后的几年,是否做”江湖”这个都不重要,关键是已经有了这个平台,已经到了这个地步,就必须继续下去,而继续下去,大家就必须提出建设性的东西出来,不要说中国,就是在云南,也要留下一些建设性的东西。希望大家还是有更多的责任心。只是呢,我不太赞同于坚的观点,他说,你们以后再这样做五年的话,绝对很牛逼了。这个我不相信,如果一直都是第一次的那种的话,做一年大家就没激情了。还有就是蓝皮的观点我也不太赞同,他说,”江湖”也不是哪个人的”江湖”,是大家的”江湖”–的确,”江湖”是大家的”江湖”,但是作为活动的策划人来说的,这个就不太负责任了,他是可以好玩,觉得还可以做个什么或者什么,可以玩一下,但是要是马上散了的话,这个”江湖”马上就散了,他们也就散了,但是我们在座的不一样,你必须有责任感,必须有良性的延续,所以是我不太赞同的,这是没有责任的。从他的角度来说,这话不费力的,也不需要负责任。所以我今年几乎就没有参与正杰那边的活动,就是把主要精力放在和外地艺术家做交流活动上面。我先说这些。

罗菲(以下简称罗):大家都谈了自己的想法。其实这个研讨会一开始并没有打算,也是我在”格斗橙”之后写了一篇文章,争议很大所引起的,有的人批判有的人赞成。那个文章的题目叫《一个采访引发的展览》,直接引自”一个馒头引发的血案”,有人因此觉得我在调侃,我觉得这个题目并没有调侃的意思,两位策展人也很辛苦。但是我用这个题目是中性的,因为对于我来说,一个展览是出于一个采访还是出于一个梦,还是你突然有一个创意,什么原因造成你做这个展览不重要,关键是你怎么做,做成了什么样子,就像”江湖”去年二十多个展览都还是一句话引起的–好,我们今年来做”江湖”–也就是一句话促成的,我觉得这个也没问题。

开始大家都说到05年的第一次”江湖”是非常精彩的”江湖”,我自己也是这么认为,但是呢,我觉得为什么会出现第一次是精彩的,后面也有庙会的或者同样形态的却并没有超越呢。第一次大家的心态就像丽斌说的,有想放开了来做的冲动,因为有很多年轻的艺术家已经憋了很久了,一直想放开了尝试这么一次,但是这样的东西我认为是可一而不可再,为什么呢,因为庙会的这种杂多的狂欢的美学并没有提供一种方法论出来,他只是提供了一种思路,一种形态,就像我们做版画,如果没有一套方法论只是一种感觉,其实你很难做好,因为他没有方法,它只是在碰运气,只是在碰人多,在碰媒体多,在碰激情,比方说第一次大家都有激情,都憋了很久,那么碰巧很多的媒体很多的艺术家很多的非艺术家都来了,但是它并不依赖于一个方法,我认为要谈实验的话方法是根本,这个是有别于开始说”江湖”

的实验方法是无边界身份,我觉得这个并没有提供什么方法,它没什么可谈的,它在上个世纪激浪派就很早就提过的事情,所以上次在第六回的时候我写过《超级女声、激浪派或者”江湖”》这篇文章,讨论三者的关系,我想到今天,这个比较的思路在今天还是适用的。

那么作为”江湖”的出发点,开始丽斌说是大家想放开来做实验,我想这个是对的,记得当时做了之后在网上有争论的时候,当时邱志杰说”江湖”就是云南当代艺术的启动机制,也就是说它并不意味着其他什么,我也赞同这样的观点。因为我们说到”江湖”的游戏精神,但事实上我们也没有什么太多的游戏精神,只是在其中几次提到游戏样式的活动,但游戏精神还是关于规则和方法,我们打麻将或者玩扑克斗地主,它都是建立在一个完全方法和规则的基础上它才成其为游戏,要说游戏,我自己认为我做第四回超级倒叙的时候倒是想做一个非常大的游戏,但是后面控制不是太好,但是其他活动来说的话,用游戏精神来定位”江湖”我觉得有些偏颇。

第二个是民主,用民主来谈”江湖”,作为”江湖”引以为豪的美学和艺术家参展机制,我觉得这个是有问题,它托起了人民,但是同时拖垮了艺术家,今天我们看作品就很明显,这个是不争的事实,很多艺术家的作品水平在下降,而且很多艺术家还有一个理由就是”我要的就是这种效果”,我认为这个理由是一个骗局,它是艺术家下沉之后的一个借口,”我要的就是这种效果”这样的口吻意味着它无法达到共鸣,它只属于艺术家自己的,而且它失去了一个判断的标准。这是我的看法,对于民主和包容所带来的悖论,它一方面人人都有创造的机会展示的机会,但完了之后他就走了,并不用负责任,也不需要他负责任,我所说的责任还不是说关于云南当代艺术的建设或者什么,而是说就像现在的研讨会这样的一个批评的场,他们也是缺场的,他们有创造的出场,却在批评中缺场,这意味着我们只有生产,没有督察,这一定是有问题,这是一种泛民主,这在我看来是很危险。

林:我发现大家都谈了很多的问题,郭鹏说这个”格斗橙”是一个采访引发的展览,后来罗菲回答了这个问题,展览由什么引起的并不重要,重要的是最后怎么样。但是郭鹏提出了一种方式,”江湖”做到后面更大的时候应该是吸引大家都来报名的方式,通过选举来保证展览的质量。

丽斌说到实验精神,作品与现场的关系,丽斌说到来看展览的观众最后成为只是来喝酒,我觉得这个不必要担心,事实上每次来的观众都有不同层次的,不管是厂里的人也好知识分子也好媒体也好,我觉得这个不是最主要的问题。

还有一个问题就是我们回头看看最后我们剩下的这些人的作品,所有的这些人的作品,比如丽斌的所有作品,我们线性的来看,我觉得这个观察点是可以提的。

另外一个问题可以讨论的是,很多人做作品是由一个展览所引起的,很多人的作品希望和展览主题有关系,如果这个作品只是跟现场有关系跟展览主题有关系,而不能放在一个艺术的平台上来讨论的话,我觉得是不是有问题,待会也可以讨论。

星哥说的观点我是比较同意,比如于坚提的方式,蓝皮提的方式,如果是从一个参与者来讲,每个艺术家对自己有要求,这个是比较重要的问题,但是选进来艺术家是否能够把握和控制好自己,我觉得这是另外一个问题。那么,事实上我所说的”江湖”的包容性不像郭鹏说的通过很多人报方案来选这样一种方式,江湖还远远达不到,是这样的门槛,但最后的结果其实是达不到一比二的,像这次”格斗橙”报方案的只有60多个人,但是最后参加的就有50个人。其实每个人的初中都不同,每个人在”江湖”中是否能成就自己也是不同的,从我个人作为策划来讲,我对于一个展览所期待的不是每个作品都是很棒的作品,这个期待值太高,可能只有几个是做得好的。像以前主题性很强的一些展览里,很多人都考虑到怎样在这个主题限制当中凸现自己,比如罗菲的那个展览(超级倒叙)就很明显,他说要倒叙,但是很多艺术家的作品没有倒叙也没有顺叙。包括”格斗橙”,因为热闹,大家都说到”媚俗”的这个问题,但是我想提到一个戏剧的因素,它在”江湖”里边可以是一种结构一种出场,它就像一场多幕剧,那么我们把泛艺术的主题就放在热闹的这个层面上来讨论,我们把没有什么是艺术没有什么不是艺术这样一种命题放开来看的时候,比如江湖游医、相声、乐队,我觉得这个是戏剧的一个出场。

在”江湖”里有一批乱的作品,就是互动的作品,让观众参与来实现作品,另一部分是静态的作品,这一部分始终是不能拒绝的,比如架上的部分,在一个戏剧的开场,但从内容里看它有一个深刻的东西,我觉得是在整体上我们对以往的”江湖”作出肯定的时候,我是这样来分析它的。

星哥刚才提出来我做十一回的时候是为展览而展览。你提出来的时候我突然有这么一个感慨,这里边不是有一些特别棒的艺术家,我当时得想法是要凑足12个展览,最初我没有今天想得那么明确,我当初想既然要有一种包容性在里边,我就想把一些老艺术家,比如从来没什么展览机会的人提进来,那么有了不同的东西都进来了,包括国画和书法都进来了。现在我的想法是,怎样让一些在各个行业非常精英的人进来,不管他是做设计还是做数学,他有一种艺术的见解,或者开始想做艺术了,只要他们提的方案我们觉得OK,那么应该让他们来实现这样一种可能性,那么我们就提供了他们成为艺术家的这样一种可能,我觉得”江湖”可以提供的。
还有就是另一批我们所说的符号型的艺术家,我们给他们机会让他们展示他们侧面的可能性,完全像一个没出道的艺术家,有一股闯劲,这种能力如果”江湖”能体现出来我觉得也是蛮好的想法。但是,最后我们看到是什么在卡住我们,事实上是经费的问题,我们不可能做到很大的活动邀请到很棒的艺术家。

和:罗菲刚才提到游戏精神和民主,我有一些不同的看法。游戏精神在”江湖”的语境里边,它之所以有意义,它是有另外一种挑战,它不是我们以前的概念里的游戏精神,它不是一种自娱自乐式的,比如对于参展艺术家,它的挑战在于,一个艺术家的作品在一种很多人的参与而且很多人都互动的状况下,这种互动是完全开放以后的,不是艺术家来控制最终结果是什么,但是最终的结果才是作品的完成,这样就是一对多的互动,这种游戏精神是一种挑战,这种游戏把大家都吸引在作品里面,吸引到一种互动的情境里边,同时又成就这个作品不会消解作品,反倒让作品更有力量,我觉得这是”江湖”在这个语境里面提出的一个有意思的东西。

还有另外一点,我觉得所说的泛民主其实不是问题,恰恰我觉得还不够民主还不够开放,(向:这个我不同意。)”江湖”做到现在它的意义其实是不言而喻的,它的意义就是对于这个地区艺术生态的提升,如果对当代艺术参与关心的人越多,说明这个城市是越有活力的,这已经不需要证明的。如果一个城市老是这几个人在做实验艺术,这才是问题,那么”江湖”的意义就是,我们先抛开学术的来看,那么很多年轻人就是通过”江湖”才第一次接触当代艺术,从这种契机开始,然后关注这种展览,参与展览,最后会越来越多的。那么”江湖”对于很多年轻人来说,它的意义是不言而喻的。如果从理想的角度说,做到最后”江湖”自己消失掉,它就变成一种日常,只要喜欢艺术的人都可以毫无顾忌的,任何人都可以来策展,任何人都可以来做作品,这个区域就变成一个非常有活力的生态,我觉得对于精英式做经典作品艺术家来说,这也不是坏事。

向:我不太赞同丽斌对艺术的看法。首先我觉得”江湖”就是有个事件或者一个运动,其实跟政治运动一样的,更多的人还是集体无意识的盲从,他们不可能带有建设性的东西,他们觉得看热闹,好耍,但却不会对艺术有一个多大的要求,但是对于我们艺术家来说的话,想的更多的还是作品问题。所以最终我们看到,这么多人参加,每个人关注的不一样,有的人关注媒体,有的人关注社会影响,但是作为专业艺术家来想更多的考虑的还是作品,这个是我的看法。

郭:我也不太同意丽斌的看法。我觉得是姿势位置没有摆对,按他的提法,我觉得更多的还是一种社区文化居委会操心的事情。

罗:刚才丽斌提出的”江湖”游戏精神是一种对艺术家的挑战,在一种互动的情境下,一个作品面对很多观众的状况下,作品不受控制,过程不受控制,它所产生的结果反而增加了作品的力量,差不多这么一个意思。其实我想说,所有的作品都会面对很多的观众,这没什么特别的。还是我一开始提到的东西,也是我最近在批判的一个东西就是,所谓”我要的就是这种效果”,其实丽斌提的那种游戏精神还是围绕着这句话在开展,(和:我不是说效果。)那么是结果,是不是。那么我们现在不看”效果”这个词,你说的是互动,当然,互动是个很正常的一个词,关键词是”不受控制”,而且反而会”增加作品的力量”,我认为这个逻辑是有问题的,这里混淆了两个概念,一个是艺术事实,一个是客观事实,所谓艺术事实就是说,它是带有艺术家设计性的,艺术家可以考虑到作品和观众怎样互动,若然后这种艺术事实是对所有的观众和艺术家都有效的效果,我把这种艺术事实称之为艺术效果,但是另外一个客观事实是什么呢,它是非设计性的,或者说它是脱离了设计者的事先设计跟意图,那么这种事实它就只能称之为事实,我们把它和艺术事实区分开也就是客观事实,那么在不受艺术家控制也不受作品设计控制,最后反而会增加作品的力量,我觉得这个逻辑就有问题,因为它已经脱离了设计者的意图,那么你事先设计有什么意义呢?就像这次我在文章中对丽斌的作品毫不留情的批判也是提到这一点,我写道”我拒绝在此刻听到有关作品失控的任何阐释!”,因为事先做了很多技术上的设计,打腊,勾边,都是想让观众能够在一定的控制范畴内互动出来一种效果,但最后被观众踩得一塌糊涂之后,你却说”我要的就是这种效果”,还说这是一种富有挑战的互动,但是这种富有挑战的不受控制的互动也不能为一件失败的作品作为理由,如果它能为一件失败的作品作为充分的理由,我觉得这是不合理的。

和:我就解释一下,我觉得还是一个语境的问题,在这个语境里才产生这个作品,不是说我要的就是这种效果,我觉得作品如果脱离开这个语境就无从评价了。首先这个作品有两个元素组成,一个是书法,一个是诗,那么我有个针对性,在以往的书法里面,书法是个人的书写,它是一个个体的气场,诗也是个体的气场,那么我把它放大之后放在一个开放的现场里,我想制造一个开放的气场,打破传统的抒发个人情感的场,所以我最主要考虑如何让作品成为很多人考虑参与进来的东西,他参与进来以后画面成为什么样子不是重点了,只要他参与进来,那么作品就生效了就完成了,至于作品是干净的也好花的也好,都不是我所要考虑的,我恰恰期待最终呈现一个我个人美学系统里所看不到的。所以我说我要的是这种效果,我觉得作品已经达到了。

罗:我觉得还是一个悖论,属于是中阐释欲的毒太深,把语境拿来套作品,把语境作为阐释的一种可能性,为了产生出一个意义来。就像你开始说的个体的气场,诗啊什么的,但我们任何一个人在这个作品中都没有看到这种东西,那我觉得你所要的东西就谈不上了。我觉得任何一个作品都应该有共鸣的,它不是需要作者在作品面前进行阐释,我这个东西是什么什么语境下,我这个东西其实是什么什么,既然用现代汉语能够讲清楚一个东西,那么就不需要做一个作品了。而且我之所以在文章里毫不留情的提到”我拒绝在此刻听到有关作品失控的任何阐释”,仍然是这个原因。艺术它不是关于失败的,而是关于创造的,还是我刚才说的,这是混淆了艺术事实和客观事实。而你事先说的什么美学也好什么也好,没有人知道这些事情,只有你自己知道这个,这种东西要拿来支撑你一个作品的理由我觉得非常脆弱,它只属于你自己,不属于公共。我还是坚持这种立场,包括当代艺术家很多都是这样说”我要的就是这种效果”,我觉得这种东西是非常值得警惕的,艺术家自己建立一个非常私密的美学系统,但是没有人知道这个,我认为好的艺术作品不管你看不看得懂,它都会触动你,引起一种共鸣,尽管这种共鸣不一定能够用语言来表述清楚。

阐释可以作为引发读者思考这个作品,开发观众的思路,但是它不能拿来作为判断作品好坏的标准,同时更不能成为支撑一件好作品的理由。

和:我觉得这个就扯远了,本来就是个互动的作品,当然这个也只是基于你个人的判断,评价一个作品很多人进入的视点不一样,现场很多人都参与这个作品,可能每个人的评价都是不一样的,如果你把一个作品从现场抽开来看根本就无法谈起。

罗:判断是很重要的,批评也是很重要的,批评和判断只有一个结果,但是解读有很多条路,它们不一定都能够通到罗马。比如一个非艺术家过来看到作品,他可能觉得这个跟他的生活经验有关系,他可能觉得跟他最近看到的一个新闻有关系,但是作为一件作品它肯定有一个严肃的批评,作为批评的立场,它只有一个真相,就像破案一样,它只有一个事实没有第二个事实,这个事实一方面考虑作者的出发点,第二个看它本身的效果和结果,我认为这个世界上的事情只有一个事实,没有第二个,当然,你可以有很多角度去理解它,但是批评跟阐释还是不一样,阐释是关于这个作品是什么它还可以是什么的问题,而批评是关于这个作品好不好,好在哪里,不好在哪里,如何才能更好,这是两个问题,桑塔格在《反对阐释》里阐述得很清楚。

和:我觉得还是扯远了,一个作品好还是不好可以私下再谈,总有理由。

向:不过我也觉得没有以前的作品好。这是我的看法。

和:以前的作品没有这么开放。

林:我打断算了,我觉得艺术家没必要站出来为自己的作品说什么。我觉得罗菲开始说的那个问题,就是”江湖”是否是托起了人民拖垮了艺术家的问题,我们是否要减掉人民,或者怎样保持艺术家的创造力,这是一个问题。我有个命题,就是”江湖”应该是为云南的当代艺术作贡献还是为中国的当代艺术作贡献,我觉得这是不同的命题,如果按照以往我们的方式那样去作的话,我觉得是在为昆明的当代艺术作贡献,这种贡献是不容置疑的。但是回到批评者的角度,却是很多作品都有很多不满意的地方。这也是因为”江湖”的门槛降低的缘故,我们强调包容的同时这个门槛就在降低,非艺术家进来了,学生进来了,7岁的小孩也进来了,那么在中国当代艺术这个更高的桌面上看我们的作品的时候,我们这些艺术家的作品是否还有力量,是否还能被选上,是否会被淘汰掉,这问题所在。作为艺术家身份,我关心我的作品是否能得到大家的认可,是否能作出一个好的作品,这是艺术家自己要思考的东西。我觉得这次大家应该更多的从策展人的身份来讨论问题。

罗:我发现大家讨论下来对”江湖”的倾向有这么一个误解,认为目的是开放、民主和包容,但是把展览作为整体而言或者作品作为个体来看,当我们把开放作为一个理由的时候,标准就没有了,标准没有了之后是比较危险的,这不是说回到传统美学或者什么。我觉得有些词汇有些意思它本身就容易引起一种假相,比如民主、开放这样的词,我个人认为过多地追求这样的东西而不是生命本身的真实,那么就带有一种幻象在里边,因为这种东西是在降低降低再降低,是在扩散一种貌似民主的东西,因为我在当中看不到建设性,我们只是看到更多的人在参与,作品不住的在开放,而且这种参与与开放呈现出一种消耗,没有建设性。所以我认为一味追求民主、包容只是一种幻象。我们看看我们追求的民主是什么,就是邀请更多的年轻人参与,并期待有更多的年轻人参与当代艺术,期待这个城市的当代艺术更繁荣,而事实上,我们经历了一年下来为什么今天还是这几个人在这里坐着?这种对幻象民主的信赖我觉得很不可靠,就像向卫星说的,他们的参与并不带有负责任的态度。

郭:这种民主我觉得还是开始说的,是居委会作的事情。

向:我不知道为什么你们一直念叨着”江湖”,对于我来说它真的不重要,它只是一个过程,我在想今后我们怎么做,”江湖”对于我们来说只是一种经验。还有一个就是,从后现代开始,个个叫的是艺术家要走到人民中去,人人都是艺术家这样的口号,但是真正的艺术家一旦进入了艺术家的状态之后,他会有不同的看法,我们从西方60年代以来看下来,他们确实作了很多运动,但是最终还是在作他们自己的事情,说什么人人都是艺术家,其实都是一个噱头。所以我在想,你们为什么还把“江湖”看那么重?提得起就要放得下。

罗:我也同意。我觉得以后做的事情是”江湖”还是不是都无所谓,当然叫”江湖”也可以,这个牌子已经打出去了。但是我发现我们一直在为各种人群创造条件来参与创作艺术,我觉得这个不像是一个艺术家干的事情,这对艺术家合适吗?就像郭鹏说的,那是居委会做的事情。只是呢,今天大家坐在一起开会,让批评介入,这个是很好的。

严凌霄:首先我表达一个立场,也是个态度。我比较支持罗菲、郭鹏和林善文的自我批评的态度。”江湖”的套路模式和最开始没什么区别,而目前就像罗菲说的,把人民托起来了,把艺术家拖垮了,的确是这种。

我跟你们讲个笑话,前几天在云南信息港论坛上,我看到一篇帖子,是对这次展览上于坚作品献媚似的评论,我觉得他的评论有些不爽,就随口说了一句,意思是现在“江湖”在我看来还有些不足的地方,结果另外一个人说我对于坚的作品怎么怎么地,我说我没有对事也没有对人,他说,你太愚蠢了,人家玩的就是人人都是艺术家,你不懂!当时我就完全无语了,哈哈。他居然说我太愚蠢了,这是一个非常鲜活的例子,很清楚地说明了罗菲所说的,把人民托起来了,把艺术家拖垮了。的确,我们做了这么多作品,我们看到有的艺术家的作品带有策略在里面,但是我觉得有的作品的确很糟糕,非常糟糕,糟糕到我已经不能忍受了,这种作品对”江湖“到底有什么意义有什么推动吗?

和:人家有的是处女作,你要包容……

罗:我觉得跟第一次做作品一点关系都没有。

向:如果是一个社会活动家,你可以去做艺术的启蒙培养,没什么,但是作为艺术家,似乎有些得不偿失。

罗:我觉得今天很多艺术家都在扮演西方60年代艺术家的角色,但他们是跟他们那个年代整个世界的政治有关系的,(和:这个不一样。)这个当然不一样,但是很大程度上,从事情本身来讲,是一回事。这也是为什么我会在去年第六回的时候写一篇激浪派、超女和”江湖”的关系。我觉得对于在校实验的年轻人应该做一个学术性的严谨的引导,而不是拉进来算数,即使是处女作我一样的批评,好的作品不一定诞生在老手那里,这个跟处女作没关系。我个人而言,我更希望这个群体能够把云南当代艺术的整体建立起来,包括艺术家和严谨的学术讨论,而不是做个社会运动。

林:这里有我们”江湖”的”铁杆球迷”,张华、小熊也参加了这回”格斗橙”的展览,我想听听你们的意见。张华先说吧!

张华:总的来说,我没有过多的批评,它就像一株植物,它在生长过程中总会遇到很多问题,先别说它将来会长成什么样,将来结一个什么果,我觉得重要的是在成长过程中吸收了什么阳光什么水分,这跟它环境有关的,并不是说谁谁的作品,一开始做作品总有好有坏,并不是说艺术家一个作品比一个作品牛逼的,这个过程中它同样需要阳光的。”江湖”就像一颗种子,吸收各样的养分,将来一定会发展得更好。

注:熊玮和张元的发言由于录音的原因,没有整理出来,见谅。

录音整理:罗菲
编辑:林善文